© Jerry McMillan: Ed Ruscha with six of his books balanced on his head, 1970 silver gelatine print, 23 x 15,3 cm Relations Ben Carter, Jacob Dahl Jürgensen, Luc Delahaye, Charles Gaines, Felix Stephan Huber, Mike Kelley, Alice Maude-Roxby, Jerry McMillan, Ivan Razumov, Ed Ruscha, Corinne Wasmuht Click for English text Die Galerie Kamm freut sich die Gruppenausstellung "Relations" zu präsentieren. Der Ausstellung liegt der Kontext, in dem sich die Künstler der Galerie bewegen, zugrunde: Jeder Künstler der Galerie hat einen Künstler eingeladen, der für seine Arbeit wichtig ist - entweder als Vorbild, als Anregung oder als Freund. Ben Carter (eingeladen von Albrecht Schäfer) Ben Carter verbindet in seiner Skulptur zwei von der Struktur und Farbe sich ähnelnde Materialien: den Stein, eine versteinerte, biomorphe Form und Beton, der einer industriellen Norm entspricht. Er möchte dabei weder ein spezifisches Objekt, noch eine formale Skulptur oder einen Gebrauchsgegenstand produzieren, obwohl der Prozess die Einfachheit eines industriellen Vorgangs besitzt und dessen Ergebnis Teil eines beliebig erweiterbaren Systems sein könnte. Stattdessen interessiert ihn das Unerwartete bei einer Übertragung eines Materials von einem willkürlichen Ort zu einem anderen. Daraus entsteht eine neue, subjektive Grammatik der Stoffe, die Fragen aufwirft nach Form, Skulptur, Norm, Uniformität, Subjektivität und ihrer Metamorphose. Jacob Dahl Jürgensen (eingeladen von Simon Dybbroe Møller) Jacob Dahl Jürgensens Skulpturen, Collagen und Installationen vernetzen Bezüge aus Kunst und Design der frühen Moderne mit New Age, okkultistischer Ikonografie und der Populärkultur. "As above, so below" ist eine konstruktivistische Skulptur aus ineinander gesteckten, durchsichtigen und spiegelnden Plexiglasscheiben, die sich der Form nach einem Hexagramm annähert. Die Skulptur fungiert als Kerzenhalter für farbige, parfümierte New Age-Style Kerzen, deren Wachs die Skulptur hinunterläuft. Der Titel der Arbeit ist nach dem hermetischem Grundsatz benannt, dass das was oberhalb ist, dasselbe ist, was unterhalb ist. Von diesem Axiom ausgehend wird das Hexagramm als okkultistisches Symbol verstanden und der Satz soll den Schlüssel aller Geheimnisse in sich tragen. "Crystal Ball" ist eine geometrische, duftende Skulptur aus Räucherstäbchen. Die Struktur wird in der Mathematik als Icosahedron bezeichnet, ein Gitter-Modell des letzten der fünf platonischen Grundsätze. Sie bezieht sich auf die geodätischen Sphären und Kuppeln, die von dem Technik-Utopisten R. Buckminster Fuller entdeckt wurden, was im Gegensatz zu dem Material der Skulptur steht: Räucherstäbchen aus der Fabrikation des indischen Gurus Sai Baba. Luc Delahaye (eingeladen von Ulrike Feser) Der Fotograf Luc Delahaye ist seit 1989 in Kriegs- und Krisengebieten unterwegs. Er ist vorwiegend auf der Suche nach unmittelbaren, existentiellen Momenten. Seine dokumentarische Fotografie verweist eher auf die eigene Person, als auf eine bildjournalistische Tradition, die ihr Tun als allgemein-aufklärerisch empfindet. Die Fotografie "Fighting the Taliban", 1996 zeigt eine Kampfszene, in die Luc Delahaye unmittelbar involviert ist. Die Apparatur des Fotografen zeichnet Effekte des Kriegsgeschehens auf, dennoch schreibt sich ein seltsam abstrahierendes Moment mit ins Bild ein. "Ich dachte immer daran, dass wer das Risiko eingeht, auf diese Weise sein Eintrittsticket bezahlt" (Luc Delahaye, in: Kunstforum. Bd. 165, 2003, S. 181). Charles Gaines (eingeladen von Edgar Arceneaux) Rätsel, die hinter Mordtaten in den USA stecken, sind Ausgangspunkt der 1994 entstandenen Serie "Capital Crime and the Night Sky" von Charles Gaines. Auf dem ersten Bild sind zwei Re-Fotografien, die einen Tatort sowie das polizeiliche Foto eines Mörders oder Mordverdächtigen zeigen, mit dem Bild eines Sternenhimmels zusammengebracht. Es handelt sich um den Himmel über Los Angeles am selben Tag, an dem der Mord geschah, am 2. September 1973, allerdings datiert fünfzig Jahre später. Wenn bestimmte Konstellationen der Sterne zyklisch wiederkehren, besteht dann auch die Wahrscheinlichkeit, dass Ereignisse auf der Erde, zum Beispiel ein Verbrechen, bei vergleichbaren Himmelskonstellationen wieder stattfinden? Gaines spielt mit den kollektiven Ängsten und Mythen, die sich um die Themen Mord und Kosmologie ranken. Sein systematisches Vorgehen in der Tradition der Concept Art spielt mit der Spannung zwischen Folgerichtigkeit und Zufall, zwischen Schicksalhaftigkeit und Kontingenz (Ludwig Seyfahrt in: Recherche - entdeckt! Bildarchive des Unsichtbaren, hrsg. von Andreas Baur mit Ludwig Seyfahrt, Frankfurt/M. 2004). Felix Stephan Huber (eingeladen von Zilla Leutenegger) Die Schwarz-Weiss-Kopie von Felix Stephan Huber entstammt der Arbeit "a-side". Mit den Medien Video, Foto und Kopie schafft er ein für ihn typisch bühnenhaftes, aber fragiles, offenes Arrangement , welches mehrere Blickrichtungen erlaubt. Wohnblockanlagen und Naturausschnitte thematisieren einen Grenzraum. Der Übergang von urbanen Raum zur Peripherie wird in den Mittelpunkt gerückt. Die Schwarz/Weiss-Kopie zeigt eine Person in einem parkenden Auto, irgendwo in einem Nichts einer Landschaft an Berlins Stadtgrenze. Exemplarisch ist Hubers Versuch, der Sehnsucht, das Nichtgreifbare greifbar zu machen, eine bildliche Entsprechung zu geben. Die tradierte Vorstellung einer Identitätsfindung in der Natur und Suche nach dem Ganzen wird durch die Motivwahl und dem fragmentarischen Charakter zitiert und gleichzeitig nivelliert. Im Vordergrund steht die Flüchtigkeit und das Zufällige von Wahrgenommenem und die Frage nach Wirklichkeitskonstruktionen. Mike Kelley (eingeladen von Katharina Jahnke) Von Mike Kelley werden Seidenbanner aus der 10-teiligen Reihe "Pansy Metal/Clovered Hoof" gezeigt. Mike Kelley, der in seiner Arbeit immer wieder Zeichen von privater und kultureller Identifikation hinterfragt, bezieht sich in dieser Serie auf seine irisch-amerikanische/katholische Herkunft. Vor allem aber erinnern die Banner an Trophäen und Andenken, wie sie beispielsweise bei Rockkonzerten als Souvenir gehandelt werden und vollziehen die für Kelley charakteristische Gratwanderung zwischen High-und Low-Culture bis ins letzte Detail: Die trashig / banalen Symbole, martialisch / gotischen Schrifttypen und ehrwürdig / aggressiven Posen verschmelzen auf einem dafür überaus absurd wirkenden Material, der Seide. Das breite Spektrum unterschiedlichster Quellen und künstlerischer Methoden, die Nähe von Schönheit/Pathos und Groteske wird auch deutlich in Hinblick auf die ursprüngliche Präsentation: die Banner wurden erstmals 1989 während einer Performance mit Heavy Metal Musik präsentiert. Gleichzeitig wird das Thema "Fankult" und das ironische Zelebrieren davon ein ganz eigener Kommentar zu der Ausstellung. Alice Maude-Roxby (eingeladen von Cornelia Schmidt-Bleek) Alice Maude-Roxby, die als Künstlerin und Schriftstellerin arbeitet, zeigt eine fünfteilige Text/Bild Arbeit. Die Idee für die Arbeit entstand auf einer Reise nach Burgund, auf der sie die Fotografin Francoise Masson traf und interviewte. Als kommerzielle Fotografin arbeitete Masson in den unterschiedlichsten Kontexten, unter anderem für Werbekampagnen. Gleichzeitig fotografierte und dokumentierte Masson in den Siebziger Jahren die mit hohen Risiko verbundenen Performances von Gina Pane. Das Interesse an diesen Fotografien führten Alice Maude-Roxby zu Masson und auf ihrer Reise durch Burgund zeigte Francoise Masson der Künstlerin die Orte, an denen Gina Pane nicht-öffentliche Performances aufgeführt hatte. Diese Orte wurden von Masson auch für ihre kommerzielle Fotografie genutzt, und die ausgestellten Arbeiten verbinden diese beiden sehr unterschiedlichen Kontexte. Die Texte kreisen um die Schnittmenge von Kunst und Leben in der Erfahrung der Fotografin. Publiziert sind die vollständigen Texte in: "Maude-Roxby/Masson: On record: advertising, architecture and the actions of Gina Pane", Artwords 2004. Die ausgestellten Fotos sind von Francoise Masson. Jerry McMillan/Ed Ruscha (eingeladen von Annette Kisling) Ed Ruscha und Jerry McMillan kannten sich seit der High School und kamen in den späten Fünfzigern von Oklahoma City nach Los Angeles. Jerry McMillan portraitierte Ed Ruscha über viele Jahre. Die umfangreiche Serie von Portraits besteht teils aus Schnappschüssen, teils aus inszenierten Aufnahmen. Das 1970 entstandene Portrait "Ed Ruscha with six of his books balanced on his head" thematisiert humorvoll die vermeintliche Identifikation des Künstlers mit seiner Arbeit. Ed Ruscha stellte zwischen 1963 und 1978 insgesamt 16 Bücher her. Er liess die Bücher in einer hohen Auflage produzieren, um bewusst zu vermeiden, sie als exklusive Kunst-Objekte anzusehen. Die Bücher tragen Titel wie "Twentysix Gasoline Stations", "Some Los Angeles Appartments", "Every Building on the Sunset Strip" oder "Thirtyfour Parking Lots in Los Angeles". Die thematische Ordnung wird zum Mittel, die Mehrdeutigkeit der Bilder zu steigern. Die beständige Wiederholung eines Motivs zeigt das Interesse an der Präsenz des Alltäglichen, des Gegebenen. Für die Aufnahmen der "Parking Lots" beauftragte Ed Ruscha 1967 einen Flugpiloten und einen Fotografen. Ruscha ist nicht an einer subjektiven, künstlerischen Geste interessiert, vielmehr an der seriellen Aufzeichnung eines Phänomens der ihn umgebenden Massenkultur. "Pools came when I was swimming every day and Parking Lots when I felt like being aerial" (Ed Ruscha, 1973). Ivan Razumov (eingeladen von Pavel Pepperstein) Ivan Razumov, der in der Tradition der russischen Konzeptualisten steht, zeigt Arbeiten aus der Serie "Pioneers". Als die Sowjetunion und mit ihm die ideologische Symbolik Anfang der Neunziger Jahre kollabierte, setzte ein neues Bewusstsein, angesiedelt zwischen einer Kindheit im totalitären Staat und einer heranwachsenden Welt aus Konsum und High Tech, ein. Dieses Bewusstsein, Teil einer neuen Kultur zu sein, brachte die Strömung der russischen Konzeptualisten hervor, zu denen Razumov zählt. Gegenstand seiner Untersuchung ist das kollektive Gedächtnis Russlands. "Once, having assumed the responsibility for figurative content of the present culture, and its consequence, I issued the images, that had been lost or thrown out together with old abc-books, while the society were making dizzy and breathtaking jump from the Past of Empire of Evil to the Future of the Third World. Gently restoring these icons and visions of the come true global revolution, I let myself recover them with the same changes I did already, being a school hooligan. But this time these changes only made the images ready for consumption of recipient of today, who absorbs them, often neither having found out a bomb inside, nor recognized the deja vu" (Ivan Razumov). Corinne Wasmuht (eingeladen von Gabriele Basch) Die Malerei von Corinne Wasmuht entwickelt sich unter dem Dualismus von strengem konzeptuellem Bildaufbau einerseits und dem malerischen Prozess andererseits. Für ihre Bildideen sammelt Corinne Wasmuht Bilder aus Alltag, Wissenschaft und Kunst, um daraus ein neues Ganzes zu formen. "Unter bestimmten thematischen Vorgaben wird das Material (...) in immer wieder neuen Durchgängen auf seine Komplexität und seinen möglichen Sinngehalt überprüft. Also nicht Aufzeichnung eines Bilderstroms, sondern Anlage eines eigenen Bilderkosmos. Das jedoch geschieht mit den Mitteln der Malerei, mit den Mitteln einer traditionellen, disziplinierten Malweise, die aus einer ganz anderen Zeit kommt und die obsolet zu sein scheint. Eine zeitgenössische, von avancierter Technik bestimmte Lebenserfahrung wird - auf zuerst paradox anmutende Weise - mit einem gleichsam anachronistischen Instrument bearbeitet" (Julian Heynen, Augen-Puls, in: Wasmuht-Gerwers-Skreber, ars viva 96/97Malerei, pub. vom BDI e.V.). Ausstellungsdauer: 22.3. - 30.4.2005 Oeffnungszeiten: Mi-Sa 11 - 18 Uhr Galerie Kamm Almstadtstrasse 5 D-10119 Berlin Telefon/Fax +49 (0)30 2838 6464 Email info@galeriekamm.de www.galeriekamm.de Relations Ben Carter, Jacob Dahl Jürgensen, Luc Delahaye, Charles Gaines, Felix Stephan Huber, Mike Kelley, Alice Maude-Roxby, Jerry McMillan, Ivan Razumov, Ed Ruscha, Corinne Wasmuht Galerie Kamm is pleased to present the group exhibition "Relations". The exhibition responds to the context in which the artists of the gallery move: each artist of the gallery invited an artist who is important for their work - either as a role-model, inspiration or friend. Ben Carter (invited by Albrecht Schäfer) In his sculpture, Ben Carter combines two materials which resemble each other in their structure and colour: stone, a petrified biomorphic form, and concrete, which corresponds to an industrial norm. He doesn't want to produce a specific object, nor a formal sculpture, nor a use-object, although the process has the simplicity of an industrial procedure, and the result could be part of an indefinitely extendable system. Instead of this he is interested in the unexpected in the transferral of a material from one arbitrary place to another. This produces a new subjective grammar of material, which opens up questions about form, sculpture, norm, uniformity, subjectivity and its metamorphosis. Jacob Dahl Jürgensen (invited by Simon Dybbroe Møller) Jacob Dahl Jürgensen works with sculpture, collage and installation. His work often brings together references to utopian and early Modernist art and design, New Age and occult iconography, as well as popular culture. "As above, so below" (2005) is a constructivist sculpture of interpenetrating planes made from clear and mirrored Perspex, approximating the shape of a hexagram. The sculpture functions as a candleholder for coloured and scented New Age-style candles, running down the sculpture. The title of the piece is taken from the Hermetic axiom "That which is above, is the same as that which is below", of which the hexagram is the occult symbol. The phrase is ascribed to the ancient magician Hermes Trismegistus, and is believed to hold the key to all mysteries. "Crystal Ball" (2004) is a geometrical and odoriferous sculpture made out of incense sticks. The structure is called an icosahedron in math-speak, a grid model of the last of the five Platonic Solids. It refers to the geodesic spheres and domes pioneered by the technocratic utopian, R. Buckminster Fulller, but is made of the controversial Indian guru Sai Baba's own brand of incense sticks. Luc Delahhaye (invited by Ulrike Feser) The photographer Luc Delahaye has been en route in war and crisis zones since 1989. He is mainly in search of immediate existential moments. His documentary photography tends to be more personal compared to a photojournalistic tradition which regards its activity as part of a general enlightenment. The photograph "Fighting the Taliban" from 1996, shows a battle scene in which the photographer is directly involved. The journalist's apparatus records the effects of the war that is taking place, however includes a strange abstracting moment in the image. "I always thought that whoever takes the risk, thereby pays their entry ticket" (Luc Delahaye, in: Kunstforum. Vol. 165, 2003, p. 181). Charles Gaines (invited by Edgar Arceneaux) The riddle lying behind homicide in the USA is the starting point for the Charles Gaines' 1994 series "Capital Crime and the Night Sky". In the first picture are two re-photographed images which show the scene of a crime as well as the police photo of a murderer or murder suspect, brought together with the image of a night sky. This depicts the sky over Los Angeles on the same day in which the murder happened, 2nd September 1973, though dated 50 years later. If particular constellations reappear cyclically, is there a chance that events on earth, for example a crime, could take place again during a similar constellation? Gaines plays with the collective fears and myths which grow up around the themes of murder and cosmology. His systematic approach, in the tradition of concept art, plays with the tension between consistency/logic and chance, between fate and contingency (Ludwig Seyfahrt in: Recherche - entdeckt! Bildarchive des Unsichtbaren, ed. by Andreas Baur with Ludwig Seyfahrt, Frankfurt/M. 2004). Felix Stephan Huber (invited by Zilla Leutenegger) The black and white photocopy by Felix Stephan Huber comes from the work "a-side". With the media video, photo and photocopy he makes one of his typical stage-like but fragile, open arrangements, which permit multiple views. Housing developments and fragments of nature evoke a border zone. The transition from urban space to periphery is shifted to centre stage. The black and white photocopy shows a person in a parked car somewhere in the non-place of a landscape in Berlin's outskirts. Huber's attempt to grasp and find a visual counterpart to the yearning and unfathomable is exemplary. The inherited notion of finding identity in nature and the search for the whole is referred to by the choice of motif and the fragmentary character, and at the same time levelled. In the foreground is the fleetingness and randomness of the perceived and the question of constructions of reality. Mike Kelley (invited by Katharina Jahnke) Mike Kelley is showing silk banners come from the 10-part series "Pansy Metal/Clovered Hoof". Mike Kelley, whose work constantly questions symbols of private and cultural identification, refers in this series to his Irish-American/Catholic background. Above all the banners recall trophies and keepsakes as for example in rock concerts where they are treated as souvenirs, and carry out Kelley's typical tightrope-walk between high and low culture to the last detail: the trashy/banal symbols, martial/gothic lettering and venerable/aggressive poses merge on a silk material that seems totally absurd for this. The wide spectrum of sources and artistic methods, the proximity of beauty/pathos and grotesque becomes clear considering the original presentation: The banners were presented for the first time in 1989 during a performance with heavy metal music. At the same time the theme "fan cult" and its ironic celebration becomes a commentary to the exhibition. Alice Maude-Roxby (invited by Cornelia Schmidt-Bleek) Alice Maude-Roxby works as an artist and a writer. The focus of the exhibited photo/text work was sparked by a trip to Burgundy where she met and interviewed the now retired photographer, Françoise Masson. Masson was a commercial photographer who produced images for many different contexts and advertising campaigns. She also documented the 1970s actions of the high-risk performance artist Gina Pane. And it was due to an interest in these particular images that Maude-Roxby traced Masson. During their time together in Burgundy, Masson took Maude-Roxby to the locations where Pane had made non-public performances. These locations were also used by Masson as a backdrop for commercial photographs. The exhibited work brings together photographs from these very different contexts. The texts revolve around the crossover between art and life in the experience of the photographer. These texts have been published in full in Maude-Roxby and Masson's co-authored book "On Record: advertising, architecture and the actions of Gina Pane" published by Artwords in 2004. The photographs of the actions of Gina Pane are exhibited courtesy of Anne Marchand. All of the exhibited photographs were taken by Françoise Masson. Jerry McMillan/Ed Ruscha (invited by Annette Kisling) Ed Ruscha and Jerry McMillan knew each other since High School and in the late 50s moved together from Oklahoma City to Los Angeles. Over the years Jerry McMillan made an extensive series of portraits of Ed Ruscha. These consist partly of snap shots, partly of staged photographs. The 1970 portrait "Ed Ruscha with six of his books balanced on his head" humorously evokes the supposed identification of the artist with his work. Between 1963 and 1978 Ed Ruscha produced 16 books in total. He had the books produced in large editions to consciously avoid them being perceived as exclusive art objects. The books have titles like "Twentysix Gasoline Stations", "Some Los Angeles Apartments", "Every Building on the Sunset Strip" or "Thirtyfour Parking Lots in Los Angeles". The thematic ordering is a means to increase the multiple meanings of the images. The permanent repetition of a motif demonstrates Ruscha's interest in the presence of the everyday, of the given. For the shots of the parking lots, Ed Ruscha hired a pilot and a photographer. Ruscha is not interested in a subjective artistic gesture, much more in the serial registering of the mass cultural phenomena surrounding him. "Pools came when I was swimming every day and Parking Lots when I felt like being aerial" (Ed Ruscha, 1973). Ivan Razumov (invited by Pavel Pepperstein) Ivan Razumov, who works in the tradition of the Russian Conceptualists, is showing works from the series "Pioneers". When the Soviet Union, and with it the ideological symbolism, collapsed at the beginning of the 90s, a new consciousness developed which was positioned between childhood in a totalitarian state and a developing world of consumerism and high-tech. The consciousness of being part of a new culture brought about the movement of the Russian Conceptualists to which Razumov belongs. The object of his research is the collective memory of Russia. "Once, having assumed responsibility for the figurative content of the present culture and its consequences, I reissued the images that had been lost or thrown out together with old abc-books, while society was making the dizzy and breathtaking jump from the past of the empire of evil to the future of the third world. Gently restoring these icons and visions of the come-true global revolution, I let myself recover them with the same changes I had already made, being a school hooligan. But this time these changes only made the images ready for consumption by the recipients of today who absorbs them, often neither finding a bomb inside, nor recognising the deja vu" (Ivan Razumov). Corinne Wasmuht (invited by Gabriele Basch) Corinne Wasmuht's painting developed under the dualism of a strict conceptual construction on the one hand, and painterly processes on the other. For her pictorial ideas, Corinne Wasmuht collects images from the every day, science and art in order to produce a new whole. "within specific thematic guidelines, the material (...) is examined in constantly new approaches to its complexity and its possible content. It is not therefore the recording of an image-stream, but the construction of an image-cosmos. This is however brought about using painterly means, the means of a traditional, disciplined painting method, which comes from a completely different time, and which seems to be obsolete. A contemporary life experience influenced by advanced technology is - in what at first seems a paradoxical way - operated on using an anachronistic instrument" (Julian Heynen, Augen-Puls, in: Wasmuht-Gerwers-Skreber, ars viva 96/97Malerei, pub. vom BDI e.V.). Exhibition: March 22 - April 30, 2005 Gallery hours: Wed-Sat 11 am - 6 pm |
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